E todos não viveram felizes para sempre

A sinopse espanta. A direção é de Breno Silveira de 2 Filhos de Francisco e você lembra que odeia música sertaneja. Então por que assistir esta maldição? Ou o que esperar de Era Uma Vez...? Que tal um filme com os assuntos mais ultrapassados possíveis e que rende ótimos momentos? É assim o resultado. Só para constar, eu gostei bastante de 2 Filhos e fiquei comovido que nem um condenado. Infelizmente este sofrimento não se repetiu desta vez e uma das propostas do diretor era criar um tearjerker como a história dos sertanejos. Eu não vi ninguém saindo chorando da sessão. Só foi uma pequena frustação minha.

Era Uma Vez... é filmão para público e digo isto no bom sentido mesmo. Tudo bem que o número de pessoas que já assistiram até agora não é animador. Rapaz de favela carioca se interessa por garota rica e vice-versa. Percebam o clima de romance socialmente inaceitável. Não para o público do cinema que torce por eles, é óbvio. A favela tem seus moradores decentes, a polícia é racista, os traficantes comandam os morros, a classe média é preconceituosa, está tudo lá como pano de fundo para interferir na história de amor. Uma das razões para o filme é funcionar é o carisma da jovem dupla de protagonistas Thiago Martins (Dé) e Vitória Frate (Nina). Ele está bem melhor do que ela até porque o filme é sobre ele. Há mais espaço para o rapaz diversificar sua atuação já que está mais em evidência. O terceiro personagem mais importante é o irmão do Dé feito pelo Rocco Pitanga. É ele quem impulsiona a melhor sub-trama da história.

O roteiro é previsível em sua maior parte. É tão proposital que não tem como não resistir. Você conhece o inevitável mas o grau de envolvimento chega a um nível em que você torce com todas as suas forças para estar enganado. E quando a tragédia acontece, a última gota de esperança que ainda restava vai embora. A sensação é desagradável, um sentimento de inaceitação cresce de tal forma que só piora quando o ator Thiago Martins narra sua breve história real durante os créditos finais.

No entanto, a relação deles tem seus momentos verdadeiramente ternos sem cair nas armadilhas dos romances colegiais feitos para as pré-adolescentes. Talvez por criar um pano de fundo mais injusto e não menos verdadeiro, o romance convence bem pois satisfaz o desejo do público de elevar o seu espírito. O destaque de cena mais hilária vai para o pai de Nina (Paulo César Grande) e o porteiro fofoqueiro do prédio. É até estranho lembrar este tipo de momento quando já se conhece o final do filme. Fica mais doloroso.

Nota: ****

Noites de mirtilo

Eu vinha esperando por My Blueberry Nights desde que o filme estreou em Cannes em 2007 o que dá uns quinze meses atrás. Um Beijo Roubado é o seu título nacional. Foi até uma boa saída porque traduzi-lo ao pé da letra ficaria estranho. Blueberry foi a estréia do diretor chinês Wong Kar-Wai em língua inglesa. Eu só lembrava que o Jude Law e a Norah Jones (ótima para uma cantora que nunca foi atriz) estavam no elenco, aí durante os créditos inicias aparece o nome da Natalie Portman também e achei que iria ver um novo Closer já que os filmes do Kar-Wai que conheço são todos romances. Blueberry não alcança o nível de Amor à Flor da Pele, por exemplo, mas não deixa de ser apaixonante mesmo não sendo explicitamente uma história de amor. É mais um ensaio sobre relacionamentos impossíveis e decepções amorosas. O seus pontos fortes são os diálogos e a direção do Kar-Wai que preserva a sua marca.

Norah Jones é uma moça que começa a visitar o mesmo bar todas as noites após descobrir que o local era onde o seu namorado a traía com outra mulher. Ela e o dono do bar (Jude Law) passam as noites fazendo companhia um ao outro e refletindo sobre suas vidas amorosas. Norah decide seguir em frente mudando de cidade e o filme se torna um road movie em que ela irá conhecer pessoas que transformarão significativamente aquele momento de sua vida. É onde entram David Strathairn (Boa Noite e Boa Sorte), Rachel Weisz (!!!) e a Natalie Portman. Irei omitir a ligação entre eles.

Blueberry é muito lento, tem que saber apreciar o seu ritmo. Cada situação tem seu valor, mesmo que pareça estar se repetindo. Há paisagens que eu acho fascinantes em filmes, uma delas é o ambiente urbano durante a madrugada quando não existem mais pessoas nas ruas e as luzes dos postes acesas iluminando o asfalto para ninguém. Tem uma cena em que a Norah e a Rachel conversam num ambiente exatamente assim, sem falar que o momento é bem delicado. A gente fica esperando que a Norah revele algo mas, como é um filme do Wong Kar-Wai, a cena é direcionado de outra forma e ela não fala nada. Eu gostei da melancolia refletida pelos personagens e suas ações surpreendentes nos finais de suas histórias. Eu achei bem interessante como o Kar-Wai põe uma espécie de barreira entre a câmera e os personagens. Ao filmar o Jude Law conversando com sua ex-namorada, a câmera está dentro do bar, os atores fora e o vidro com letreiros no meio. É uma característica mantida em várias cenas. Talvez seja para transmitir mais intensamente para o espectador a idéia de que ele seja um mero observador do filme. E imagino também que seja uma representação para os obstáculos que os personagens têm que vencer porque todos ali estão buscando por algo mas antes uma barreira precisa ser ultrapassada.

Tenho visto mais filmes do que minha disposição para escrever permite. Talvez eu escreva sobre Hancock que acabei vendo logo depois de Batman. A coisa é tão ruim que ainda não esqueci. Também vi Persépolis e fiquei babando.

Nota: ****

Cuidado com o que você come

Estômago é a estréia em longas de ficção do diretor Marcos Jorge e o rapaz já veio chamando a atenção já que o filme foi o grande vencedor do Festival do Rio de 2007. Pude assisti-lo há uma semana atrás quase sem querer numa sessão tripla com Chega de Saudade e Shine A Light. Mal sabia o que estava perdendo. Estômago deve ser a maior surpresa do cinema nacional. Não é nenhuma obra-prima mas já começa valendo por fugir dos temas abordados constantemente. Ele não se passa em favela, não tem casais da classe média carioca discutindo o casamento e não faz humor de apelo sexual ambientado no interior nordestino.

Um rapaz do interior abandona sua terra para tentar a vida na cidade grande. Logo ele descobre seu talento para a culinária, se apaixona por uma prostituta e acaba na prisão. Achei Estômago bastante original. Seu começo é um longo monólogo sobre o queijo gorgonzola. Hã? E as muitas situações bem humoradas envolvendo comida? Todas funcionam (ou quase todas). São principalmente estas situações que carregam o filme. E ele é dividido em duas linhas narrativas que são contadas paralelamente. Sua chegada à cidade grande e à prisão são mostradas mais ou menos ao mesmo tempo. Enquanto vemos sua vida atrás das grades, a outra sequência vai narrando os fatos que o levaram a ser preso. Mas ambas são unidas por pontos comuns descritos pelas transformações sofridas pelo protagonista de um ser vulnerável em um novo ambiente para alguém capaz de realizar uma ação que ninguém esperava que ele fosse capaz. Seu nome é Raimundo Nonato, interpretado pelo ator João Miguel que eu ainda não conhecia mas já tem uma ótima filmografia. Talvez por eu não conhecê-lo, achei algumas de suas cenas tão naturais que pensei que ele não estivesse atuando. Fazia umas expressões faciais que pareciam deixá-lo envergonhado. Engano meu. Foi tudo intencional e estava fazendo o personagem. Sem falar que o João Miguel já foi bastante premiado.

Estômago diverte mesmo, além de ousar e esbanjar criatividade. Há uma cena em que a iluminação é tão artística. A atriz que faz a prostituta entra nua numa cozinha sem iluminação, se dirige à geladeira e abre sua porta o que faz com que a luz do aparelho revele o seu corpo. O relacionamento dela com o Raimundo é uma mistura de sinceridade com amargura. Você torce por eles mas o destino dos dois é incerto. E para não fugir da proposta do filme, eles começam o relacionamento porque ela se encanta com a coxinha dele. E o macarrão nem se fala.

Nota: *****

Vivendo para dançar

Ainda não vi Bicho de Sete Cabeças, o primeiro longa-metragem da diretora Laís Bodanzky que recebeu dezenas de prêmios. O seu segundo longa Chega de Saudade me chamou logo a atenção há alguns meses por lembrar O Baile do italiano Ettore Scola, filme que eu tinha visto há pouco tempo e achado bastante curioso. A diferença é que o filme da Laís tem o salão de baile como pano de fundo para o desfile dos seus personagens: pessoas da terceira idade, cada uma com sua história que será explorada nos 90 minutos do filme. Há casais passando por problemas conjugais, solteiras procurando um relacionamento, ciúmes e traições mas tudo se resume ao simples ato de viver.

A produção acontece toda dentro de um salão desde a chegada do público enquanto o sol ainda brilha até o seu final tarde da noite. A música rola solta ao som de muito samba, bolero, forró e Elza Soares em carne e osso. Eu gostei bastante da agilidade inicial do roteiro de Luiz Bolognesi (marido da Laís) ao apresentar os personagens e seus principais traços. Mas a partir de um certo ponto, ele se torna repetitivo e pára de avançar. E o final do baile veio de forma brusca. Já a direção da Laís é uma aula. É maravilhoso como a câmara dança junto com aquelas pessoas no salão. Ela faz um passeio sempre destacando o que enche os olhos do espectador. Direção e roteiro foram, inclusive, os dois prêmios que Chega de Saudade levou no último Festival de Brasília.

Nota: ****

A vida de Sweeney Todd num orfanato

O cinema alemão tem produzido verdadeiras preciosidades nos últimos anos como Adeus, Lênin (2003) e Edukators (2004). Sou muito fã destes dois, principalmente do segundo que deve ser um dos meus preferidos de todos os tempos. Agora vi A Vida dos Outros, vencedor do Oscar de filme estrangeiro em 2007. Em termos comparativos, prefiro Lênin e Edukators por serem mais leves. A Vida é muito denso e exige certa concentração para acompanhar mas não deixa de ser genial mesmo assim. O ministro da Alemanha Oriental ordena que a vida de um escritor de peças seja observada por acreditar que ele tenha "tendências ocidentais". O encarregado de executar as tarefas de escuta terá o seu compromentimento com o trabalho (lealdade ao governo) abalado após o início das observações. É aí que está a grande sacada do filme. Como é que um homem casado com os trabalhos de interrogação do regime ditatorial amolece ao penetrar na vida de um cidadão e sua esposa? O fato mais curioso é que eu não estava achando A Vida um grande filme até um simplório detalhe nos instantes finais que fez mudar toda a minha concepção. Eu estava gostando, só não estava fascinado. Anos depois, o escritor em questão lança um livro e a sua dedicatória é o que faz de A Vida dos Outros um filme realmente lindo.
Nota: *****

Eu acho o terror espanhol tão superior ao asiático e as suas refilmagens americanas. E fico mais convicto disto após ver O Orfanato. Ele não tem o mesmo valor artístico que O Labirinto do Fauno (que não é uma produção 100% espanhola) mas a ótima recepção da crítica é bastante justa. O filme tem todos os clichês possíveis do gênero e o mais interessante é que funcionam! O Orfanato assusta de verdade. Fazia tempo que eu não lacrimejava de medo. A produção tem o dedo do Guillermo del Toro e naturalmente o seu nome é o mais destacado nos pôsteres de divulgação mesmo ele sendo apenas um dos quatro produtores. Eu nem vou mencionar nada da trama porque saber detalhes demais tirariam o charme. Eu apenas sabia que era a história de uma mulher (Belén Rueda de Mar Adentro) que planeja reabrir o orfanato onde cresceu e ela tem um filho que possui amigos imaginários. Um dos grandes triunfos do filme é o desfecho do seu maior mistério. Eu queria que não fosse apenas uma série de cenas para dar sustos. Mas o final é realmente satisfatório. E emocionante. Os eternos amantes do Chaves ainda têm uma razão para ver O Orfanato já que o Edgar Vivar (Sr. Barriga) faz uma participação. E aquela imagem do menino com o saco na cabeça...
Nota: ****

Sweeney Todd é o resultado do que Tim Burton sabe fazer melhor. Todas as características que o tornaram um grande diretor estão neste musical trágico. E o clima é pesado. A fotografia mais monocromática reflete perfeitamente o tom fúnebre da obra. É tudo tão caprichado desde o figurino até a Londres vitoriana. Fica repetitivo elogiar o trabalho técnico do filme. Fico pensando em alguma coisa que não tenha gostado mas não consigo achar. No final não fiquei com aquela vontade de ver novamente como Hairspray. Mas não acredito que isto seja um comentário negativo. Gostei das músicas, do elenco (Depp, Carter, Rickman, Spall e Cohen), dos exageros da história. Os assuntos abordados como o desejo de vingança do Todd, o amor oculto da Sra. Lovett, a cobiça do juíz, o interesse do jovem marinheiro pela garota prisioneira estão todos em perfeita sintonia. Sweeney Todd é um musical estranho e com sangue que não pára de jorrar.
Nota: *****

O assassinato de Charlie Wilson

Vou juntar dois filmes em um único post porque não fiquei empolgado para escrever sobre eles, embora tenha gostado muito do primeiro. Há uma semana, assisti O Assassinato de Jesse James pelo Covarde Robert Ford com o Brad Pitt fazendo o Jesse, o primeiro grande e idolatrado fora-da-lei americano. Mas acho que o protagonista seja o Robert Ford (Casey Affleck). Pelo menos, o seu personagem é o mais enigmático e interessante. E o Casey é quem está melhor em cena mesmo. Então não foi surpresa o Brad ter sido deixado de lado nas indicações aos prêmios no começo do ano. Assassinato é extremamente longo e deixa transparecer isto ao focar exaustivamente as histórias dos membros da gangue do Jesse. Um filme com este título deixa a impressão de que todo o enredo será voltado ao assassinato e suas motivações mas não é bem assim. O lado positivo é que o elenco de coadjuvantes também está excelente então o filme não se torna um martírio. A parte que mais gostei foram os instantes que antecederam a morte do Jesse. Ele pega o jornal que não deveria, Robert e o irmão não podem esperar mais... É uma tensão bem sutil. Depois o filme se estende por algum tempo parecendo que não vai acabar nunca mais.
Nota: ****

O segundo foi Jogos do Poder. Não tenho como falar de um filme que não foi feito pra mim. Eu até já sabia que poderia não conseguir acompanhá-lo quando vi o trailer. É muita complexidade para a minha pobre cabeça, não consegui entrar no clima das piadinhas sarcásticas. Ele é altamente político e não perde tempo para explicar o que você já deveria saber. Como eu não sabia, fiquei perdidinho e ainda dormi bastante. Charlie Wilson (Tom Hanks) foi um congressista do Texas responsável por induzir o governo americano a armar o Afeganistão contra os soviéticos durante a Guerra Fria. Entram na jogada a Julia Roberts que não entendi sua função na história e o Philip Seymour Hoffman, um dirigente de uma divisão específica da CIA.
Nota: ***

Viva a Igreja da 3ª Revelação

Se Sangue Negro não for melhor que os Fracos dos irmãos Coen, é tão ótimo quanto este. Acho que o filme do Paul Thomas Anderson (de Magnólia - que ainda não vi e tenho certeza que seria perdoado de tal pecado pela Igreja da 3ª Revelação) tem a vantagem de ser mais eletrizante no sentido de provocar reações mais fortes. Algumas sequências são de encher os olhos graças aos excelentes trabalhos do Daniel Day-Lewis e Paul Dano, uma trilha sonora pertubadora e montagens belíssimas. Tudo isto em quase 160 minutos que raramente se tornam cansativos. O primeiro diálogo só é dito uns 15 minutos depois do início do filme (11:33 para ser exato). O explorador Daniel Plainview (Day-Lewis) de minas de prata encontra petróleo e decide mudar de ramo. Parece que a única atividade que dava dinheiro no final do século XIX e começo do XX naquela região desértica da Califórnia era extrair o tal líquido. Daniel recebe informações de um certo lugar onde o petróleo parece pedir para ser extraído e decide ir investigar com o seu filho. Lá ele se instala e começa o seu negócio mais lucrativo. A sua ganância e o conflito com o pastor local (Paul Dano) são os aspectos centrais de Sangue Negro.

Eu achei fantástica a sequência com o poço de perfuração expelindo o gás e entrando em combustão. O acidente é importante porque vai mudar a relação do Daniel com o filho devido ao que acontece com o garoto, só achei que faltou mostrar a reação da comunidade local em relação ao incidente. Imaginei que haveriam protestos. Tecnicamente falando, a montagem é riquíssima. Agora pude comprovar porque a trilha sonora (composta pelo Jonny Greenwood do Radiohead) foi bastante elogiada. A composição que toca nesta sequência é hipnotizante e tão intensa que você sente um alívio quando termina. É interessante como Onde Os Fracos Não Têm Vez deve ser seco mesmo e Sangue Negro funciona por optar pelo contrário. Sangue tem muito mais efeitos sonoros, além da trilha sonora.

O Daniel atua tão bem que fiquei tentando achar um ponto de identificação com o seu personagem. Acredito que ele não tenha uma natureza perversa. Desde que você não atrapalhe os seus negócios, sua vida está salva. Foi o que aconteceu quando o possível irmão dele surge no meio do filme. Já o desprezo pelo filho no final não me conveceu. Não acredito que o garoto só tenha sido usado pela imagem. Nunca é tarde para fazer um protesto político mas se Sangue Negro tivesse sido lançado no auge da invasão ao Iraque, seria tão mais voraz.

Eu nem sabia que o Paul Dano era um ator tão ótimo. Ele passa metade do Pequena Miss Sunshine mudo mas já percebi muito talento ali. Inclusive, vi no ano passado um filme pavoroso chamado The King com o Gael García Bernal em que o Paul fazia um filho de pastor. Mas em Sangue Negro, o cinismo do seu pastor da Igreja da 3ª Revelação é impagável. E ele batizando o Daniel e devolvendo as bofetadas? Achei hilário. Até lembrei de uma sessão de exorcismo numa Igreja Universal aqui perto de onde moro. Sempre passo pela frente dela e uma vez estava ocorrendo o exorcismo de uma moça. As sátiras de Sangue Negro a estes cultos são divertidas de verdade. É tão gratificante quando um diretor faz um filme ambicioso e consegue cumprir sua tarefa.

Fui conferir a trilha do filme e fiquei desapontado (e muitos outros pelos comentários postados na Amazon.com) pela falta da composição mais marcante tocada em Sangue Negro. Aí descubro que ela foi composta para outro filme, também pelo Jonny.

Nota: *****

Mulher também usa armadura

Histórias sobre monarcas não me atraem muito então vejo sem o compromisso de querer gostar. Mas se eu gostar, encaro como uma surpresa. E foi o que aconteceu com Elizabeth – A Era de Ouro. Não é que eu queira agora pendurar um quadro dela no meu quarto mas é um filme bem agradável. Há um ano atrás foi a vez de Maria Antonieta que eu até devo ter gostado. Mas A Era de Ouro é bem melhor que o filme da Sofia Coppola e um pouco melhor também que o Elizabeth anterior que mesmo tendo visto somente há pouco tempo, não lembro mais do que ele aborda especificamente. A Era de Ouro foi a época em que a Inglaterra, governada pela rainha protestante, lutou contra a imposição do catolicismo pelo rei Felipe da Espanha. Ou você se tornava católico, ou acabava conhecendo o diabo mais cedo. A Inglaterra foi o único país que não se converteu.

Cate Blanchett retorna, 10 anos depois, ao papel que a deixou famosa mundialmente. Só vê-la explorando todas as nuances do personagem já vale o ingresso. Geoffrey Rush também continua como o seu conselheiro e o Clive Owen agora é visto com outros olhos pela rainha. Além da Guerra Santa, o filme trata, talvez este seja o ponto principal, sobre o título de Rainha Virgem da Elizabeth. Tem até um concurso de pretendentes e quem chama a sua atenção é o velejador-conquistador-pirata-não-sei-mais-o-que feito pelo Clive. Mas a relação está longe de ser amorosa porque nem a rainha sabe o que sente por ele. A cena em que ela descobre o caso do Clive com uma de suas damas é ótima. O medo da chegada dos espanhóis e a sua vida pessoal ser afetada por traições a deixam transtornada. E traição se pagava com o pescoço, pelo menos quando se trata de assassinar a rainha.

O que mais gostei mesmo foi a firmeza da Elizabeth em lutar contra o fanatismo religioso do rei espanhol. Há uma parte onde ela fala algo parecido com lutar pelo direito de crença do seu povo. Tudo bem que este direito só se refere ao protestantismo mas pelo menos ela está lutando contra a imposição de uma religião dita como a salvação. É até uma imagem marcante quando ela aparece de armadura em seu cavalo. Já a única coisa que me incomodou foi a falta de uma estrutura política que fizesse a rainha tomar decisões porque durante o filme todo a sua única decisão é lutar ou não contra o domínio católico. E a marinha inglesa vence a guerra. Será que ela não erra?

A direção foi mais uma vez do indiano (?) Shekar Khapur que utiliza alguns movimentos de câmera bem caprichados.

Nota: ***

Where the weak ones have no chance

Minha experiência com os irmãos Coen antes de Onde Os Fracos Não Têm Vez se resume a apenas três filmes: O Grande Lebowski (*****), Na Roda da Fortuna (*****) e Gosto de Sangue (****). Todos vistos em 2008 e os asteriscos são as notas que coloquei aqui no meu arquivo. Nada mal porque Fracos vai levar também 5 estrelas (e bem merecidas!). É o melhor filme que vi nos últimos seis meses. Uma excelente aula de cinema. A ansiedade era tanta que eu vibrei com os dois primeiros assassinatos do Javier Bardem que abrem o filme. Eu só estava um pouco preocupado por causa da polêmica sobre o seu final ser insatisfatório mas achei o roteiro brilhante. O final não é fácil mesmo. É o mais cru que lembro de ter visto num filme. Quem ficou com o dinheiro? Para mim foi o Josh Brolin. Não conheço o livro do Cormac McCarthy então só estou supondo. Ouvi uns chiados das pessoas no fim da sessão. A aparente ausência do destino dos personagens foge dos padrões mas acho isto atraente. Não vá esperando ver o xerife comemorando por ter colocado o bandido atrás das grades.

A história é sobre um caçador (Josh Brolin) que acha um belo malote de dinheiro e o assassino frio Anton “Sugar” Chigurh (Javier) é enviado para recuperar os dólares. Tommy Lee Jones é o xerife que segue os rastros de maldade deixados pelo Sugar. O espanhol Javier Bardem (Mar Adentro, Carne Trêmula) está assustador de verdade. E nem é por causa do cabelo. Sua personificação deste monstro já se imortalizou na história do cinema assim como Hannibal Lecter em O Silêncio dos Inocentes. Parece que estes dois vilões liberam o nosso lado sádico. Se você não tem este lado como eu, vai sentir da mesma maneira um certo prazer pelas maldades nas duas horas do filme. A única coisa que não gostei no Javier foi a sua voz de Darth Vader. O Josh também fez um trabalho expecional e ainda tem a Kelly Macdonald (que fez Trainspotting quando era novinha) como sua esposa. Não há o que reclamar do elenco individualmente e é melhor ainda quando estão contracenando. É uma maravilha ver os personagens serem construídos em camadas. O Javier atuando com o dono da loja, com o Josh, com a Kelly... Cada um deles representa uma camada que vai adicionando algo em nossa percepção sobre o Javier com o passar do tempo. Isto vale para outros personagens. Pegue todas as pessoas com quem o Josh Brolin atuou e você vai perceber também sua construção complexa. Só depois percebi que o Javier não matava todo mundo que cruzava o seu caminho. Normalmente ele costuma usar uma moeda para decidir. Parece absurdo mas se encaixa perfeitamente com sua mente psicótica. Alguns sabem domar a fera como a dona dos trailers e o Sugar a deixou viva sem consultar sua moeda. Mas no fundo eu queria que ele acabasse com ela. Há uma cena hilária de um grupo de mariachis cantando para o Josh, a fulga vai parar no México.

Deveria ser proibida a entrada de pessoas com alimentos barulhentos (=pipoca). Aquele longo e silencioso início no deserto do Texas ao som de crack-crack não é muito agradável. Aliás, o filme todo é assim seco, sem trilha sonora, lento. Eu achei fascinante esta narração árida quando vi A Criança dos Dardenne. Parece que tudo fica mais intensificado. Os momentos de suspense de Fracos são de primeira. Quem quase não teve um ataque cardíaco quando o Javier arromba a porta do quarto do Josh? Fracos explora um pouco de vários gêneros igualmente sem partir para um específico. É suspense, terror, ação, até lembra um filme noir. Nenhum estilo fica devendo ao outro. Perto dos Coen, os fracos não têm vez.

PS: Uma semana depois, descubro que entendi o filme todo errado.

Nota: *****

Shiva, o Deus dos advogados honestos

Foi uma benção ter entrado Conduta de Risco, assim eu pude fugir de 10.000 a.C. já que a experiência só com o trailer dele foi sofrível. Conduta ainda não é o que mais quero ver e nem sei o que escrever sobre ele pra falar a verdade. Eu gostei mais ou menos porque achei confuso. As subtramas da vida do Michael Clayton (George Clooney) me atrapalharam. Não compreendi a história dele com o restaurante e nem com a família. Já a linha de desenvolvimento central foi mais fácil de seguir. Eu não gosto muito de filmes sobre advocacia, a área em si não me atrai. O lado bom é que Conduta não é um filme com cenas de tribunal como Um Crime de Mestre (se bem que gostei deste). Está mais para um suspense investigativo em vários momentos. Conduta serve melhor como instrumento para grandes atores mostrarem o que sabem fazer. As três indicações ao Oscar de atores são justificáveis.

George Clooney trabalha numa empresa de advocacia cujo objetivo é limpar a sujeira de seus clientes. Para entender até que ponto isto pode chegar, o Tom Wilkinson, um advogado também da empresa, foi à loucura após passar os últimos seis anos limpando o nome de uma companhia de produtos agrícolas acusada de utilizar substâncias cancerígenas. A Tilda Swinton (a feiticeira das Crônicas de Nárnia) é uma espécie de conselheira da companhia em questão. Os melhores momentos de Conduta são quando estes três atores estão se confrontando. Os diálogos são bastante afiados e aquela narração do Tom Wilkinson logo no início já prova isto. Foi dele que eu gostei mais. Tendo assistido este filme agora, eu nunca apostaria na vitória da Tilda para atriz coadjuvante. Ela tem uma presença de cena incrível mesmo só enxugando o suor das axilas. Queria que seu personagem tivesse uma participação maior.

Conduta foi escrito e dirigido pelo Tony Gilroy (assumiu a direção pela primeira vez e muito bem) que também trabalhou nos roteiros da trilogia Bourne (!). Em relação ao roteiro, só não gostei da criação de um clima de suspense na cena com o rapaz instalando uma bomba no carro do Clayton. O Clooney vem se aproximando e será que o rapaz vai sair do carro a tempo? É claro que vai! A cena já foi mostrada no começo do filme.

Que interessante! Acabei de ler uma sinopse do filme que esclareceu todas as minhas dúvidas. É óbvio que não irei mudar o meu primeiro parágrafo.

E para terminar este post que escrevi só para arquivar Conduta de Risco, assisti também No Vale das Sombras do Paul Haggis. O filme não é ruim mas não merece um texto. Quero ver o que entra na próxima semana.

Nota: ***

A pipa do vovô não sobe mais

A adaptação de O Caçador de Pipas deve ser a maior de um best-seller depois de O Código Da Vinci. A diferença é que o Caçador não poderia gerar um blockbuster. E isto explica a passagem discreta dele pelos cinemas. Algumas pessoas que conheço amaram o livro, outras nem tanto. Fui para o filme conhecendo o básico: dois garotos e amigos afegãos vivem felizes em Cabul nos anos 70, algo irá romper a amizade, um deles foge para os EUA com o pai, etc. É uma pena dizer que odiei quase tudo neste filme e nem é por ele ter sido o responsável por eu ter perdido a liderança num bolão do Oscar. E fui com tanta boa vontade assisti-lo! Deve ser difícil fazer uma amizade honesta entre duas crianças sem adicionar pieguices. Para mim ficou bonitinho demais. Lembrei agora daquele A Cura com o Brad Renfro que está descansando em paz. Ou não. Prefiro a amizade destes dois de A Cura do que a do Amir e Hassan no Caçador. Por enquanto, esta é a parte feliz da história. O lado delicado vem com um bully (valentão) que atormenta o Hassan por ele ser um hazara. Não tem toda aquela segregação étnica mostrada em Hotel Ruanda? Aqui é parecido, só que sem as guerras civis. A discriminação só ficava nas palavras (pelo menos é o que está no filme).

Mesmo com campeonatos de pipas, idas ao cinema e declarações quase amorosas (juro que não estou sendo maldoso porque se eu acredito na pureza da amizade dos hobbits da Terra-Média, não tenho motivo para fazer piadinhas com os afegãos) de um garoto para o outro, um mal estar vai destruindo a relação deles. Até agora eu não consegui entender a razão que levou ao rompimento. E não fui só eu! Pude ouvir as conversas de pessoas que perguntavam ao vizinho por que os garotos agiam daquela forma. Às vezes, eu nem sabia quem era o Amir e o Hassan, quem era o filho de quem. O Amir ficou decepcionado porque o colega preferiu ser fiel e acabou sendo estuprado? E por que o próprio Amir não interveio e impediu os valentões? Não dá para negar que é arrasador quando vemos o Hassan assumindo o roubo do relógio que ele não cometeu mas eu não conseguia acompanhar tais atitudes. Pode ser lerdeza minha. Parece que o roteiro não quer perder tempo moldando o caráter dos personagens.

Há duas cenas que considero marcantes durante a infância deles. A primeira é o estupro do Hassan que eu não fiquei chocado, só aquele sangue pingando na neve enquanto o garoto caminhava é que me causou um pequeno impacto. O curioso que não foi por pena dele e nem por raiva do bully. Como posso sentir raiva de um personagem mal construído que já entra em cena implicando? A outra cena marcante é quando o Amir fica jogando os tomates no Hassan pedindo para ele reagir e tudo o que este consegue fazer é esfregar um tomate na própria cara. Foi o momento mais sensível de todo o filme e o único que considero verdadeiro. O problema é justamente querer ser sensível demais. Parece que quer forçar o público a se comover. Em algumas cenas eu imaginava um letreiro gigante sobreposto piscando "CHOREM! CHOREM!". É claro que não estou menosprezando os horrores pelos quais estas crianças passaram. Só acho que para transformar isto num filme não precisa de exageros melodramáticos. Pois bem. Após humilhações e traições, os garotos perdem o contato. E com a ocupação soviética, Amir e o pai são obrigados a fugir do Afeganistão e vão para a América.

Começa a vida adulta do Amir (que é um dos terroristas do EXCELENTE Vôo United 93). Não tem muito o que falar sobre esta parte. Ele termina uma faculdade, se casa com a filha de uma família de afegãos que também vive na Califórnia e se torna escritor. Não dá para deixar de notar as tradições de repressão contra a pobre moça. Era só um aperitivo do que estaria por vir quando Amir volta a sua terra natal. Achei bem desnecessária a cena em que o pai dele sai do consultório porque o médico é russo. Eu só ri porque fui influenciado pelos outros. A pior parte vem a seguir quando Amir recebe um telefonema que o faz voltar ao Afeganistão em 2000.

O regime talibã está tomando conta do país. Então, a princípio, Amir vai ao Paquistão. É só colocar uma barba e um turbante que os talibaneses permitem a entrada no Afeganistão. O motivo da viagem de Amir logo ganha um novo sentido quando um segredo é revelado, digno de qualquer novela mexicana. Imagine quando Guadalupe conta ao seu filho Pedro Daniel que Jorge Luiz não é o seu verdadeiro pai. Amir é obrigado a repensar em tudo de mal que causou ao amigo de infância. A mensagem moralista da história é que nunca é tarde para se redimir. Somos obrigados a aturar isto por longos minutos enquanto vemos Amir em várias situações que o fará “corrigir” os erros do passado. As cenas de agressões físicas, perseguições e tiroteios não se encaixam na proposta do filme. Agora o pior momento de todos é a cena do apedrejamento da mulher adúltera para mostrar os horrores do regime talibã. Por que ela está lá se todos já conhecem os absurdos pregados por estes radicais extremistas? Se o filme não vai condenar, ela nem precisa estar lá. Também não está defendendo as práticas. Acredito que ser neutro é motivo de orgulho para o regime fundamentalista.

Nem vou mencionar o elenco do filme, olha o nome de um dos atores: Sayed Jafar Masihullah Gharibzada. Mas vou colocar os principais nos marcadores como sempre. A adaptação foi dirigida pelo Marc Forster de A Última Ceia e Em Busca da Terra do Nunca. Ainda não vi ambos. Eu tenho um certo fascínio pela região desértica do Oriente-Médio e com a ótima trilha sonora do filme dá para apreciar alguma coisa que não teria como somente lendo o livro.

Nota: ***

Escondam o microfone do gângster

Eu não estava muito disposto para enfrentar um filme com mais de 150 minutos. Mas O Gângster do Ridley Scott é tão envolvente que você lamenta quando acaba. As ótimas atuações de Denzel Washington, Russell Crowe e elenco, um roteiro sem enrolações e a firmeza do Scott fazem do Gângster um filme imperdível, principalmente com as opções atuais por aqui. É a história verídica de Frank Lucas (Washington), negro americano que passa de motorista ao maior comerciante de heroína dos EUA na década de 70. O negócio de Frank é o melhor porque ele não tem um fornecedor, recebe direto a mercadoria do produtor asiático trazida clandestinamente nos aviões do exército americano no Vietnã. Assim ele pode vender mais barato e ter mais prestígio do que os concorrentes brancos da máfia italiana, sem mencionar o fato da droga ser 100% pura. A coisa foi tão lucrativa que Frank somou uma fortuna de 250 milhões de dólares. Na contramão, temos Richie Roberts (Crowe), o policial mais honesto que você possa imaginar. Richie será encarregado de comandar uma equipe (uma espécie de Intocáveis) que vai combater somente contra o grande tráfico.

É bom ver como o filme não se trata apenas de uma luta entre polícia e bandido dentro dos valores que conhecemos. Enquanto Richie se orgulha de sua honestidade ao recusar dinheiro do tráfico e denunciar os colegas corruptos, ele não consegue a guarda do filho. Frank pode ser frio e violento mas a primeira coisa que faz quando começa a encher o bolso é dar uma casa para a mãe (Ruby Dee). Tem também o Josh Brolin (espero ansiosamente por Onde Os Fracos Não Têm Vez) que faz o lado corruptível da polícia. É só receber uma boa quantia todo mês do Frank e todo mundo fica em “paz”. A Ruby está magnífica no pouco tempo que está em cena. Até vou torcer para ela no próximo dia 24 mesmo sem ter visto ainda as outras concorrentes de atriz coadjuvante. E querer conhecer os indicados antes da premiação não é algo possível morando aqui.

Os anos antes da queda do império do Lucas foram uma espécie de época de ouro para os comerciantes e consumidores. Imagine ter três quartos dos policiais de Manhattan envolvidos não somente com as organizações do tráfico como também tirando uma grana extra através de outros meios. Não é à toa que Frank pode matar ao ar livre em plena luz do dia e sair andando como se nada tivesse acontecido. O Gângster tem cara de filme violento mas até que está bem dosado. Só o último tiroteio no prédio de produção da Lucas Inc. foi um pouco desnecessário, parece que foi para seguir a fórmula. Há uma cena que ainda não esqueci de um bebê chorando na cama e sua mãe morta ao lado de overdose.

Nunca vi um microfone aparecer tanto no topo da tela como neste. O lado positivo é que num filme como O Gângster, isto é um mero detalhe insignificante.

Nota: ****

Qualquer recuperação é viável

Mais um filme nacional está fazendo bonito nas bilheterias brasileiras. Permanecer três semanas em cartaz aqui em Maceió e com sessões bem cheias é um grande mérito. Eu já tinha gostado do trailer de Meu Nome Não É Johnny antes. Agora que vi o produto completo, posso afirmar que é melhor ainda. A história baseada em fatos reais - a grande propaganda do filme está justamente na divulgação de que é uma história verídica - conta a vida de João Guilherme Estrella, rapaz da classe média carioca que se tornou o maior comerciante de drogas do Rio entre os anos 80 e 90, foi julgado e reintegrado à sociedade em 1997. Hoje trabalha como cantor, produtor e compositor de música. João tem até dado umas entrevistas recentemente por causa do filme. Por não fazer julgamentos e não querer dar lições de moral, gostei bastante do filme. Até porque o João não é retratado como um dependente químico, ele foi usuário também mas entendi que o vício não chegou a se tornar um problema. Enquanto Trainspotting e Réquiem Para Um Sonho (meus preferidos sobre drogas) focam o consumo, Johnny destaca o comércio então não o vejo tanto como um trabalho educacional. Johnny trata mais de assuntos como a situação do sistema carcerário, policiais civis corruptíveis e de uma possível facilidade em comprar o pózinho branco.

O filme começa bem chatinho com a infância e adolescência de JGE mas felizmente acho que nem chega a durar quinze minutos. Já crescido, Selton Mello entra em ação encarnando o protagonista. Ele não trabalha, só vive de festas em seu apartamento onde as substâncias ilícitas são permitidas, tem um pai doente, a mãe (Júlia Lemmertz) foi embora... Um certo dia, Johnny tem a chance de negociar com um fornecedor e acaba levando jeito para a coisa. Quando seu primeiro fornecedor é preso, de quem ele vai pegar agora? Da Eva Todor! São situações assim que vão impulsionando o filme porque, no fundo, a maior parte dele é uma grande diversão. Não é tão divertido como pretende ser mas há realmente alguns momentos hilários. A fama de Johnny vai se espalhando e os negócios vão se tornando mais lucrativos chegando a ter compradores estrangeiros. Não sei se é a vida que ele sempre quis, mas com certeza é uma etapa de onde ele quer tirar o maior proveito. Cléo Pires faz sua namorada mas não é uma parceira de crime, apenas testemunha e consumidora. A Cléo está melhor do que eu esperava, talvez seu personagem tenha ficado um pouco nebuloso. Será que ela amava de verdade o João ou só queria torrar a grana em Barcelona e Veneza? O elenco coadjuvante está excelente. Há muitos desconhecidos e a Cássia Kiss que faz a juíza que decidirá o futuro de JGE após ele ter sido convidado a ver o sol nascer quadrado.

O drama deixa de lado as razões que o levaram ao envolvimento com as drogas. Entendi que ele se envolveu porque quis sem nenhuma pressão exterior. A gente vê um certo desequilíbrio familiar no começo mas acredito que não seja justificativa. Isto me lembra o irregular Aos Treze com a Evan Rachel Wood que prega o contrário: a falta de uma estrutura familiar é o fator responsável pelo "mal comportamento" dos nossos adolescentes. Ainda bem que Meu Nome Não É Johnny não explora nada disso, João nem é rebelde. Está mais para vendedor de peixe. É sério! Abriu uma peixaria e vendia os bichos recheados.

Quando Johnny é preso, pode parecer que o filme perderá o ritmo mas isto não acontece. Algumas cenas no presídio e no hospício parecem fictícias mas o que importa é que o público se divertiu bastante. Acho que estão lá só para criar um equilíbrio com o tom mais sério do descaso com os detentos e da superpopulação. Não pude deixar de notar que o João era o único branco na cela e ali do lado havia a cela só para africanos. Será que precisava disso? As cenas das audiências estão ótimas graças as atuações de Cássia Kiss e Selton Mello. O momento mais terno é quando ele desabafa dizendo que desconhecia o que é fora e dentro da lei (é marcante no trailer). A juíza feita pela Cássia é a autora da frase exibida no final que resume tudo o que acabamos de assistir. Ela diz que o caso do João Guilherme mostra que qualquer recuperação é viável. Outra grande cena é ela em seu apartamento refletindo sobre a sentença. Direito pode ser uma ciência exata? Eu acho assustador o destino de alguém estar nas mãos de uma determinada pessoa.

Mauro Lima assumiu a direção desta produção baseada no livro de mesmo nome. Ele foi o produtor de Lisbela e o Prisioneiro que também tem o Selton e dirigiu anteriormente Tainá 2. Ainda é um novato no ramo e teve seu nome mais exposto agora devido à história de Johnny Starr.

Nota: ****

Retrato da solidão

Alguém fala no documentário de 2005 da Madonna que a paz é muito mais do que a ausência de guerras. E eu diria que solidão é muito mais do que a falta de sociabilidade. Este é o tema do filme Medos Privados em Lugares Públicos do diretor francês Alain Resnais. Já ouvi muito sobre ele em 2007 no Cineview do Telecine porque ficou um bom tempo entre os dez mais vistos da semana. Mas só agora tive a chance de ver e foi o meu primeiro filme deste ano. Queria ter conferido Encantada e A Bússola de Ouro, o enorme fracasso da New Line Cinema em transformar a trilogia Fronteiras do Universo no novo O Senhor dos Anéis. Ambos já não estão mais em cartaz e por falta de oportunidade e motivos de viagem, tive que deixar passar. Mas a verdade é que não fazem falta e ter começado o ano com Medos Privados é indescritível. Aliás, ele entrou na lista dos melhores de 2007 da Associação de Críticos de Cinema do Rio de Janeiro.

Medos Privados é um retrato melancólico sobre solidão envolvendo seis personagens que interagem entre si num bairro parisiense. Tem o casal em crise conjugal que procura um novo apartamento, a dupla de irmãos que buscam um relacionamento, o bartender de um hotel e a secretária religiosa de uma imobiliária que esconde um segredo. Há uma cena no começo de um bar vazio de hotal que reflete bem a temática do filme. O que vem em seguida são situações do cotidiano urbano de pessoas que "sofrem" de solidão. Sofrer não é a palavra adequada porque os personagens não estão, de fato, sofrendo e nem vivem chorando por aí. É, no máximo, uma situação que eles tentam amenizar. As inúmeras tentativas mal sucedidas de revertê-la os fazem refletir se há realmente um obstáculo a ser vencido. Um deles resume perfeitamente quando diz que a vida não passa de uma jornada solitária. Ninguém ali é anti-social. Alguém pode discordar e dizer que eles sofrem já que não vivem assim por opção e sim por uma imposição da vida. Eu acho que a diferença está no fato de você considerar isto um problema ou não. E o final do filme deixou claro que os seis personagens sabem que o destino de cada um é este. É um caminho triste, saí da sessão um pouco abalado por causa disso. Mas se todos arrumassem um par romântico, o filme não valeria de nada. Medos Privados não é para ter nenhum fabuloso destino como o de Amelie Poulain.

Você não tende a gostar mais de um filme quando se identifica com ele? Sem querer deixar o texto muito pessoal, eu sei que não sou a pessoa mais sociável que existe então pude me ver na pele daqueles seis personagens. Cada um deles carrega algo meu. Mas não foi só por isso que gostei. Mesmo que o filme não tenha nada a ver com você, não tem como deixar de se cativar por algumas das cenas cômicas ou se comover em outras. Por exemplo, achei comovente a personagem Gaëlle que sai todas as noites e senta num restaurante esperando por alguém que nunca vai chegar. Todos os seis atores principais (coloquei os nomes deles na lista de marcadores) fizeram um excelente trabalho, foi como se o diretor nunca precisasse dizer o que deveriam fazer. Para reforçar o objetivo do filme e envolver mais o público, a equipe de fotografia moderou no uso das cores deixando os ambientes mais monocromáticos. Aquela trilha sonora no piano é de uma objetividade incrível. Ainda tem a neve usada constantemente como alguma simbologia e até de forma alegórica para a solidão. Imagino que tenha sido por alguma razão bem pessoal do Resnais.

Acho que só assisti três filmes franceses em 2007. O desenho As Bicicletas de Belleville, Caché do Michael Haneke e Amelie Poulain que estava na lista há muito tempo. Três estilos diferentes e todos memoráveis. Nem estou contando um em língua inglesa dirigido pelo François Truffaut. Gostei muito de Medos Privados. O Escafandro e a Borboleta acabou de ganhar o Globo de Ouro de Filme Estrangeiro. Não é uma produção 100% francesa mas é falada na língua. Então é mais um para aguardar.

Nota: ****

O velho e o novo

Eu participei de uma enorme maratona de filmes (1 François Truffaut, 1 Sergio Leone, 3 Wim Wenders, 1 Robert Altman) no Telecine Cult em dezembro que fiquei desanimando com as opções atuais nos cinemas. Então tive que ir mais uma vez à uma sessão de arte para assistir um filme chinês chamado Em Busca da Vida do diretor Jia Zhang Ke. Escolhi este porque foi o vencedor do Leão de Ouro do Festival de Veneza em 2006. Sempre dou uma atenção a mais aos filmes premiados nos principais festivais - Cannes é o meu preferido. Tenho uma meta para ver os vencedores da Palma de Ouro, é difícil mas consegui ver três deles este ano: "Kagemusha" (1980), "Paris, Texas" (1984) e "A Criança" (2005).

Em Busca da Vida conta duas histórias paralelas de dois personagens que retornam a uma cidade à procura de seus cônjuges. Apesar da trama convencional, vale observar como o diretor explora o aspecto humano dos seus personagens, um pouco da cultura chinesa e as transformações que vêm ocorrendo naquela região do país. Ainda tem as paisagens deslumbrantes principalmente uma que ficou na cabeça de uma balsa num rio cercado por montanhas, é quase onírica. O ritmo lento pode prejudicar a sua absorção porque cansa um pouco e você só vai tirar o maior proveito se for atento a todos os detalhes. Sim, há detalhes que podem passar despercebidos. A falta deles não irá atrapalhar a compreensão mas servem para engrandecer a trama. É bom prestar atenção também na habilidade do Zhang Ke com a câmera. A magnitude das cenas é a junção do primeiro plano onde estão os atores com a paisagem ao fundo que narra um acontecimento (por exemplo, a foto que escolhi para o post).

Gostei de como o rio principal do filme divide a mesma nação em mundos diferentes. De um lado, é uma China mais desenvolvida e violenta. Do outro, uma população que parece anos atrasada e mesmo assim já usam celular como item de sobrevivência. Mundos distantes que preservam alguma característica do outro lado.

Mesmo com os meus comentários acima, achei o filme quase neutro. Não tenho motivo para desgostar e nem o achei fantástico. Talvez faltou um roteiro com meio e fim. Como você fica com aquela incerteza sobre aonde o filme vai chegar, achei que foi finalizado no meio. E o que significa aquele edifício que decola como um foguete? E o disco voador? É tão estranho que assusta. E este foi meu último filme de 2007.

Nota: 7,0

Blá blá blá

Eu já esperava que Leões e Cordeiros fosse unidirecional, só mostrando um único ponto de vista. É a guerra americanos versus inimigos. Eu prefiro muitos mais produções sobre guerras baseadas em fatos como o obrigatório Caminho Para Guantánamo ou documentários como o Fahrenheit 11 de Setembros do Michael Moore. Robert Redford fez LeC mais ideológico e menos crítico por isso não gostei. De um lado é o senador Tom Cruise vendendo sua nova e eficiente estratégia contra o Afeganistão para a imprensa e do outro é a jornalista Meryl Streep querendo publicar sua própria versão da história mesmo um dia já ter dito que o senador era um governante promissor. Há também os dois alunos do Redford que se vêem na obrigação do alistamento militar e vão lutar contra os talibaneses. Antes eles tentam se justificar numa apresentação para a turma mas não consegui entender os seus motivos. Acho que o objetivo do filme é fazer pensar sobre as justificativas tanto de um governo como de um cidadão para apoiar uma guerra.

O Tom Cruise fala em algum momento que está lutando contra a consciência medieval daquela gente. Mas quantos daqueles milhares e milhares de americanos que estão lutando sabem o porquê de estarem lá? É a mesma consciência do dois lados, não? Nem todos são como os dois alunos do Redford e acham que têm uma razão. Eu não consigo ver justificativa para querer participar de uma guerra. Só me resta pensar que tais pessoas estejam iludidas em seus próprios fanatismos. É muito simples dizer que sou contra qualquer tipo de guerra - é a visão de uma criança sobre o assunto - mas não tem como dizer diferente. Eu não gostaria de matar ou morrer gratuitamente a favor do patriotismo.

O filme ainda tem muita conversa longa entre o Redford e mais um de seus alunos. Nem lembro sobre o que falaram tanto mas o rapaz estava se dedicando mais a sua vida social do que a acadêmica. O professor tinha então que acordá-lo para a realidade porque conhecia o seu potencial.

Este foi o primeiro da onda atual de filmes políticos que entrou por aqui. Todos se caracterizam pelo fracasso de bilheteria e críticas não muito amigáveis. Se bem que o filme do Paul Haggis não foi tão massacrado como o do Redford. Li uma entrevista com o Jamie Foxx sobre O Reino e não é muito animadora.

LeC parece um apelo desesperado para acordar os americanos só que não é muito didático. Irão dormir muito ainda se dependerem destas abordagens.

Nota: 5,0

Imagine there's no countries

Três amigos dividem o mesmo apartamento numa área descolada de Tel Aviv chamada de Bolha porque seus moradores vivem fora da realidade. Mas não é o caso destes três amigos que são engajados em movimentos pacifistas principalmente contra os conflitos entre israelenses e palestinos. E ainda estão bolando a "rave contra a ocupação". Até aí parece apenas um filme político. No entanto, quando ele é dirigido pelo naturalizado israelense Eytan Fox que é gay assumido, o fator político serve somente como pano de fundo para uma grande história de amor homossexual. Eu conheci o trabalho do Fox em 2006 quando assisti Delicada Relação de 2002, história sobre dois jovens soldados que se apaixonam numa base militar no deserto de Israel. Só que até aquele momento eu não sabia nada sobre o diretor. DR não passa de um romance entre duas pessoas que independem de sexo e não aborda a diversidade da mesma forma que em Priscilla - A Rainha do Deserto ou o mais recente Transamérica. Quando li a sinopse de Bubble há umas semanas e vi quem era o diretor, a ficha caiu. A razão do romance de DR estava explicada.

Bubble é um ótimo filme com algumas falhas que não chegam a atrapalhar tanto o resultado final. Um dos três amigos é o Noam (Ohad Knoller) que também trabalhou em DR (e bem melhor em Bubble). Ele será um ex-soldado que trabalhava na fronteira do país, esta é a primeira cena do filme que mostra a dificuldade dos árabes em entrar em Israel. Quando volta para Tel Aviv, conhecemos seus dois amigos Yelli - que tem a cara do rapaz da propaganda do beijo do Mercado Livre - e Lulu. Logo eles recebem a visita de Ashraf, um palestino que Noam conheceu na fronteira, que traz um documento perdido de Noam. Os quatro irão morar juntos. Bubble é uma versão mais trabalhada de DR, com mais subtramas e um erotismo mais apimentado. Ashraf e Noam fazem o principal casal do filme. É um romance que se torna melodramático em alguns momentos. A Tel Aviv do filme é a cidade dos sonhos para se assumir a opção sexual então o problema mesmo vai surgir por parte das origens do Ashraf. A cena em que ele tenta contar tudo para a irmã é muito divertida. Já o momento em que ela não aceita dançar com ele é tão triste. As cenas de sexo me lembraram de Má Educação. Só que Almodóvar se saiu melhor. Acredito que os atores em Bubble sejam gays na vida real então quando você dirige o Gael Garcia Bernal e o faz encarnar Zahara, seus méritos são maiores. O elenco como um todo do DR está melhor. O problema em Bubble é o Yousef "Joe" Sweid (Ashraf) que pareceu inexperiente. O roteiro escrito pelo próprio Fox com o seu parceiro ainda reserva espaço para o humor.

Acho que as discussões políticas estão melhores aplicadas em Edukators, por exemplo. O ativismo da Lulu não parece sério em algumas partes. Achei muito exagerada a cena em que ela invade a sala do ex-namorado. Tudo bem que a motivação foi passional mas esta imagem atrapalha a consciência social do seu personagem. A juventude de Bubble protesta através da música. Realmente não sei os resultados de eventos como Live 8 e Live Earth. Não é ingenuidade achar que líderes políticos ficarão sensibilizados com tais manifestações? O mais importante é afetar a sociedade, principalmente aqueles que vivem na bolha. As canções do filme dão uma nova dimensão às cenas. Eu particularmente gosto de filmes com bastante músicas. É claro que a inclusão das mesmas deva ser justificada. E que surpresa foi ouvir um idioma tão conhecido e era Bebel Gilberto! Perdi a concentração na cena. Bubble também está cheio de referências desde Sex & The City a Jules e Jim. Achei muito estranho quando o Noam diz que não conhece a Britney Spears mas estou percebendo o seu lado irônico já que os personagens conhecem muito sobre a cultura ocidental.

Vale muito a pena assistir a um lado tão diferente daquela região que não envolve atentados e conflitos, sem falar que é preciso deixar o preconceito em casa. O curioso é que o momento mais angustiante é quando Bubble começa a virar um Paradise Now e finaliza com uma versão moderna de Romeu & Julieta. Por isso este filme pode afetar bastante. É uma angústia que me persegue durante todo o dia.

Nota: 8,0

Mãos e pés, para que te quero?

Vi mais um filme estrangeiro que praticamente não entrou em quase nenhum lugar ainda. Para ter uma idéia, Justiça A Qualquer Preço vai só estrear no Reino Unido em maio de 2008. Não sei se lançar um filme primeiro fora dos grandes circuitos é uma prática comum dos estúdios ou fui eu que nunca percebi isto porque sempre que vou assistir algo, já tenho alguma idéia baseada numa opinião alheia. Em relação ao Justiça, só tinha visto o trailer duas vezes. O filme está longe de ser ruim mas tampouco é uma maravilha. É um drama de investigação com o Richard Gere a e Claire Danes com doses de terror sobre maníacos sexuais.

Não sei exatamente o nome da profissão do Richard mas ele trabalha no Departamento de Segurança Pública e monitora ex-presidiários que foram condenados por crimes sexuais. Vai atrás deles para saber como anda a vida, se estão tendo recaídas, este tipo de coisa. Só que ele está se aposentando - forma delicada de ser despedido - e precisa de uma substituta (Claire Danes). Antes de deixar o cargo de vez, a dupla vai investigar o desaparecimento de uma garota porque o Richard acredita que o responsável é um dos seus "clientes". É uma espécie de treino para a Claire. O filme seria melhor se fosse mais instigante e tivesse menos aqueles cortes rápidos de imagem que tentam criar um clima sombrio. Só deixou seu lado de terror insuficiente. E as fotos de mãos e pés mutilados das vítimas não ajudam muito. A história ficou um pouco confusa, não consegui acompanhar todo o raciocínio da dupla. Os detalhes das subtramas me atrapalharam. Achei que o filme tinha durado duas horas mas só chegou a noventa minutos. E como cansa...

O Richard e a Claire tornam o filme assístivel. Na verdade, a película se resume aos dois. A Claire me pareceu muito frágil para ocupar o cargo do Richard. O elenco secundário está muito mal colocado. Há um rapaz chamado Russell Sams, o que bate na Avril Lavigne, que pareceu interessante em sua primeira cena mas ele praticamente some depois. Tem também uma moça chamada KaDee Strickland que está de razoável para péssima. Não sobra mais ninguém fora estes.

Olha só! Quando fui pesquisar os nomes dos dois atores secundários, descobri que chamaram um outro diretor que não está creditado para refilmar algumas cenas. Isto implica atraso nas datas ou lançamento direto em DVD porque o resultado não deve ter agradado aos executivos. Está explicado porque chegam antes por aqui. Nunca É Tarde Para Amar que também chegou antes é pavoroso. É melhor encerrar.

Nota: 6,0

Se minha patroa tivesse um amante...

Fiquei com muita vontade de ver Primo Basílio quando assisti o trailer antes dos Simpsons. E felizmente entrou em cartaz aqui. Eu não vi nada novo na semana passada porque não soube qual era o menos pior: Licença Para Casar com a Mandy Moore ou A Volta do Todo Poderso. Na dúvida, fiquei em casa. Em compensação, assisti no feriadão um dos filmes de 2006 que eu mais queria ver e ainda não vi. O Prestígio (também conhecido como O Grande Truque). Dreamgirls, Filhos da Esperança e O Labirinto do Fauno são os restantes da lista. Vamos ao primo, adaptação do romance de Eça de Queiroz. Gostei muito até uma certa parte que corresponde um pouco mais da primeira metade. Depois exploram outros aspectos que tiram o charme da primeira metade que é a infidelidade e deixam o filme interminável. Acho que até ri onde não deveria.

O elenco Global da vez fica por conta de Débora Falabella e Reynaldo Gianecchini que fazem o casal romântico no final dos anos 50 que prega a fidelidade acima de tudo. Fábio Assunção é o primo e futuro amante da Débora. O casal ainda tem duas empregadas protagonizadas por Glória Pires e a sempre ótima Zezeh Barbosa. Laura Cardoso que eu pensava não estar mais viva ainda faz rapidamente duas cenas. A história é mais ou menos assim. Basílio (Assunção) chega em São Paulo da Europa. Ele e Luísa (Falabella) irão começar um ardente relacionamento enquanto seu marido está em Brasília trabalhando. Juliana (Pires) descobre a traição da patroa e usará isto para tirar dinheiro e ter uma aposentadoria decente. Na verdade, é mais uma vingança porque Juliana foi sempre maltratada por Luísa. O que gostei começa quando o filme deixa o público ansioso pela traição. A Débora sempre parece tão novinha e já está chegando aos 30. Acho que ela representa o desejo erótico do público feminino de ter o Fábio Assunção. E como o Gianecchini está fazendo um sotaque muito irritante, será mais fácil suportar o Assunção mesmo com seus verbos em segunda pessoa do singular. As cenas de amor entre os primos é de um erotismo belíssimo e intenso. Você sente as pessoas ao seu redor sem respirar. Os únicos momentos em que achei a Débora exagerada foram nas cenas em que ela se irrita com a Glória. O inverso se tornaria divertido depois. Há anos que eu parei de assistir novelas e Primo Basílio me fez relembrar aquela época. Há algumas características de dramalhões. A descoberta da traição pela empregada seria como o assunto dos próximos capítulos. A chantagem está no ar.

Quando Gianecchini volta de viagem (sem sotaque!) e o Assunção volta para a Europa, o filme se perde um pouco. A relação com o amante era muito mais interessante do que com o marido. As cenas em que a Glória dava o troco na Débora, pelo menos, quebravam o clima maçante. Eu posso estar exagerando mas acho que demorou muito para sabermos se o marido iria descobrir a traição. Era a única coisa que o público queria saber depois do seu retorno.

Eu fiquei impressionado com o número de idosos na sala. Acho que para eles era como estar em suas residências assistindo a novela das oito. Foi muito simpático quando três senhoras de cabelos brancos entraram, andando devagar até acharem onde sentar. As freguesas do Baú merecem um momento de diversão.

Nota: 7,5